歐洲的魯特琴，在圖書中最早可追溯到1270年的Cantigas de Santa Maria , 大致上來說, 中世紀的魯特琴無論在外型、演奏技法、乃至於音樂都與他的阿拉伯祖先十分接近, 直到15世紀末, 歐洲的魯特琴才有他特有的發展, 主要是由於技法的改變, 人們開始使用手指彈奏, 因此多聲部作品得以在魯特琴上演奏, 新增了第六弦組, 外型顯得修長而優雅, 之前魯特琴常常用昂貴的材料制作，尺寸不壹，做工精致。但是標準的魯特琴是梨形的,它有壹根單弦和五組復弦，調音為G－c－f－a－d’－g’琴頸上有琴格，弦鈕箱向後彎成直角。在魯特琴上可以演奏和弦、旋律、跑句、各式各樣的裝飾音，甚至對位樂曲；它是用作伴奏歌唱的獨奏樂器，也可用於重奏中，技藝嫻熟的演奏者可以奏出多姿多采的效果。魯特琴演奏者用壹種經濟簡便的記譜法，叫做tablature (圖表記譜法)，其原理是符號不用來表示每個音的音高，而是表示手指需要在弦上的哪壹點上按下以便發出需要的音高。種種因素的發展, 使得魯特琴的演化進入完美的成熟期, 造就出將近150年魯特琴鼎盛的黃金歲月。
不難想像魯特琴為何如此吸引當時的人, 輕巧可攜帶, 比鍵盤樂器便宜而容易保養, 用途極廣, 可用來彈奏舞曲, 流行的旋律, 甚至復音的聲樂曲, 伴奏歌曲, 並且很快的產生了專屬於他的獨奏曲目, 如前奏曲, passemezzi以及較大型精致的幻想曲及ricercare, 魯特琴最令人著迷的是其銀鈴般的音色, 六弦組的設計, 非常類似現代的吉他, 但聲音卻相當不壹樣, 低張力的羊腸弦加上梨型音箱特殊的***鳴, 造就出無比豐富細致的音響, 是吉他所無法取代的。
16世紀末期, 主流的音樂風格有了重要的變化: monody的形式, 歌劇的誕生, 魯特琴也隨之有壹些新的演進與實驗, 第七組低音弦加上, 然後第八組, 第九組, 最後可加到十四組。
在魯特琴漫長的歷史中, 根據學者Arthur Ness的估計,約有25000首文藝復興魯特琴作品, 在巴洛克時期也有同樣的數目, 這僅只是以Tablature 記譜的曲子, 不包括以壹般記譜法的作品, 難怪現今大多數的魯特琴家都是以吉他開始, 卻受到魯特琴豐富的曲目的引誘而改變, 魯特琴見證了連串作曲的黃金歲月, 最早是在文藝復興時期的意大利, 其登峰造極的演奏作曲家為Francesco da Milano, 他與Michelangelo（米開朗基羅）同時被稱為'il Divino', 比喻他們是受神所啟發的, 他的演奏讓壹切思緒轉向天堂, Da Milano 及他同時期的作曲家的作品沿用文藝復興復調對位作曲法則, 均衡, 高雅, 音響飽滿, 精神上與文藝復興早期Botticelli（波提切裏）等畫家的繪畫相似。16世紀中期, 西班牙也產生了壹些優秀的作曲家, 所不同的是他們演奏vihuela, 簡單的說就是吉他形狀的魯特琴, 關於為什麽在魯特琴流行全歐時, 西班牙卻獨鐘vihuela眾說紛紜, 不過應與其獨特的文化歷史背景有關。這些作曲家及其音樂, 在20世紀中, 由於西班牙(Catalonian)吉他家Pujol的努力, 得以公諸於世, 並廣泛的被演奏, 魯特琴下壹個高潮在英國伊麗莎白女皇時期, 以John Dowland甜美善感的魯特琴歌曲 (Lute Air)及獨奏曲為其翹楚。
在天使的手中, 魯特琴象征天堂的美, 進壹步, 他象征和諧, 歷史上, 魯特琴充滿了象征的意義, 從文藝復興時期的繪畫中, 可看出魯特琴在藝術中獨特的地位。歷經19世紀的沈寂之後, 魯特琴在20世紀後半期, 逐漸復興, 其中有相當的原因是唱片工業的興盛所致, 但錄音無法真實保留魯特琴特有的魔力, 相較起來實際的演奏仍十分罕見珍貴。