水彩畫是壹種廣受歡迎的繪畫。作為壹種獨立的繪畫形式，它的形成和發展經歷了壹定的歷史過程。世界上第壹幅水彩畫是由德國畫家丟勒創作的，但它成為壹個獨立的畫種並在英國繁榮發展，至今已有300年的歷史。
水彩畫和其他畫種壹樣，因為使用的工具和材料不同，有自己的優勢和局限性，從而形成壹種功能。
獨立存在的藝術特征。
(1)工具性能
學習水彩畫，首先要了解和熟悉水彩畫的工具表現，然後才能更好的掌握和運用。
1，水彩顏料
水彩顏料顏色顆粒很細，溶於水可晶瑩剔透；壹層壹層的塗在白紙上，就像透明玻璃紙重疊的效果。水彩淺色不能遮蓋底色，不像油畫和水粉顏料遮蓋力強。水彩顏料中的群青、赭石、土紅等顏色屬於礦物顏料，單獨使用或與其他色調混合使用時容易沈澱。巧妙的運用可以產生新奇的效果。
2.畫紙
水彩紙比較精致，對壹幅畫的效果影響很大。同樣的技法在不同的畫紙上有不同的效果。理想的水彩紙有壹個白色的紙表面，堅實的紋理和適度的吸水性。出版後紙面比較整齊，根據性能需要和個人習慣選擇紙紋厚度。不要以為不管妳是什麽樣的紙初學者，都可以做水彩練習。太薄的紙上色後不均勻，水色淤塞，影響走筆；吸水過快的紙張(如濾紙)不易滲透，難以達到表現意圖；太光滑的紙水彩不容易附著在紙面上，不適合水彩畫。要熟悉所用紙張的性能，善於熟練掌握。
3.刷
水彩筆要有壹定的彈性和盛水能力。油畫筆太硬，不能裝水，不適合畫水彩畫(但有時候可以用來追求壹種特殊的效果)。狼毫水彩筆、平頭粉筆、國畫白雲筆、山水筆都可以用來畫水彩畫。準備壹個大色塊作畫，具體造型和細節描寫有兩三個中小筆刷。
(二)水彩畫的特點
水彩畫由於工具材料的特點和技法不同於其他繪畫，有著自己的藝術特點。把水彩畫當成輕音樂或者抒情詩壹樣的溫柔，更準確。
壹幅好的水彩畫，不僅要深刻地表達內容和感情，而且要給人以潤澤、流暢、晶瑩、輕松、活潑的感覺，這是水彩畫的特點。
水彩畫的特點是，與其他畫種相比，油畫的覆蓋面和厚重的塗層形成了壹個厚重的特點，水彩顏料是透明的，薄塗保持其透明性，所以畫面有壹種清晰透明的感覺。用水配色，充分發揮水分的作用，柔韌自然，潤澤順滑，滴水不漏，魅力十足。
中國傳統繪畫的特點
中國畫的壹般特征
學習中國畫，首先要了解中國畫的特點，所以本書從這裏開始。
用幾句話簡潔地回答以上問題並不容易。中國畫有著悠久的歷史。它適應中國的文化土壤而生根開花，在立意、構圖、技法、程式化表現上都有自己的特色。這些特點正是目前中國畫論者正在討論和總結的。這裏有幾個例子。
壹、重在立意，有答案——中國畫的立意
在中國畫的創作中，立意是第壹位的，很多繪畫理論家首先強調這壹點，無論是畫山水、人物還是花鳥。
唐代張彥遠在《歷代名畫筆記》中寫了壹段關於“六法”的話:“丈夫的形象要塑造，塑造要有骨氣。”骨幹也差不多。壹切源於大意，取決於筆端。“他相信意圖就是目的。只有在繪畫中，才會有變態和奇異的意義。
華光，宋代著名的畫梅花的和尚，被稱為鐘仁。作為華光作品流傳下來的《畫梅指》中，有壹段“畫梅全”，開頭是“畫梅全，生意第壹”。清代放勛寫了《靜山論畫》。在這裏，他還強調了構思與繪畫的關系。他說:“作畫首先要明確自己的定位，意為奇，意為高，意為遠，意為深，意為古。”他認為平庸的畫才會平庸，庸俗的畫才會庸俗，因為畫缺少了畫家最珍貴的“立意”，所以作品平庸。
文藝復興時期的意大利畫家達芬奇也有類似的經歷。他曾經說過，“壹個畫家應該描繪兩個最重要的東西，人和人的思想和意圖。”這與我國晉代人物畫家顧孝之提出的“妙而密”的思想非常壹致。
“意義”從何而來？壹是畫家對現實生活的豐富觀察和充分積累的創作經驗；還有壹點就是畫家的自身修養，這樣在創作之前，畫什麽，怎麽畫都已經在腦海中形成了壹個成熟的想法。
宋代畫家文被別人稱贊為“胸有成竹”，即他在動筆之前，腦子裏就有了竹子的形象，準備動筆了。“‘有計劃’已經成為我國稱贊的善於計劃和安排事情的成語。
在張彥遠提出“立意”這個概念之前，南方生產時代的謝赫就有了“創意”和“立意明確”的理論。創意畫不落俗套，立意精準，借景而居，筆畫少但寓意多。從這個意義上說，作為壹個畫家，不僅要在平時註重練筆，磨礪個人的表現技巧，更重要的是，要認真加強練意的技巧。值得註意的是，很多畫家往往只註重練筆而忽視練意。
二、用線造型來表現精神——中國畫的造型法則
中國畫是以線的形式，通過線來畫出輪廓、肌理和體量。德國詩人歌德說，藝術用光來表現其生動的表情，可見光是西方繪畫中的造型手段之壹。而中國畫以線條造型為主，在造型手段上明確區分了中西繪畫。但是，這並不意味著西方繪畫完全拒絕線條的使用，而是光線可以作為繪畫的主要語言。法國羅丹曾強調“壹條規定的線貫穿宇宙”，指的是造型藝術是如何脫離宇宙的，並沒有把它作為繪畫的主要表現手段。而國畫，卻積累了非常豐富的線型，巧妙地刻畫出各種形象，無論是山川的斷紋，還是衣服的線條。
“以形寫神”是晉代畫家顧愷之的壹句名言，奠定了中國藝術神優於形的審美觀。它與歐洲現代的審美觀有很大的不同，歐洲的審美觀是純抽象的，即畫人不僅是形似，更是神似，畫人的精神面貌，不止步於形的模擬，不拘泥於自然的真實。這壹理論是藝術家在建立藝術時應該努力達到的高度，在這壹理論的指導下，歷代出現了許多刻畫生動的優秀作品，成為指導繪畫的重要標準。
三、多點透視計白為黑——中國畫的構圖法則
中國畫既用焦點透視，又用散點透視，既嚴格堅持實景空間和布白，又根據構圖的需要打破實景空間和布白，使物體出現在畫面中時，能根據畫面上物體的藝術需要改變形象，改變位置。低於視地平線的牡丹花也可以放在朱平線以上，以達到最佳的透視效果。
中國畫特別註重對留白的管理，往往借用書法的手法，以白為黑，即沒有畫的部分要像有畫的部分壹樣仔細推敲和處理。
四、色彩與階級的和諧——中國畫的色彩法則
中國畫的色彩不受光源冷暖色調的限制，更註重物體本身固有的色彩，而不是強調特殊光線下的條件色。在給壹個物體作畫時，賦予它基本的色彩，達到色與物、色與線、色與墨、色與色的和諧。
五、情景生動傳神——中國畫的意境
中國畫要求筆墨、情感、景物的結合，現實中無限豐富的場景，畫家有很強的形象感染力。有了這種感覺，畫家激起了描寫這些場景的激情，於是作品以場景的復制品的形式再現，將場景融合在壹起。
至於氣韻生動，即畫家所創造的藝術精神，不同於壹般的素描繪畫，應該是生機勃勃，清新活潑，具有詩情畫意，使觀者神往。如果沒有表現出如此生動豐富的內涵，當然無法給人這些感受，也達不到中國畫那種令人神往的意境。
六、詩歌、書法和繪畫、印刷紙和筆——中國畫的獨特形式
可以說，只有中國畫才能有題字蓋章的做法。不僅文人畫可以在詩詞書畫中展現自己的絕活，就連普通的畫也總是需要題字蓋章，才能有濃郁的傳統藝術氣息。
題跋和詩詞可以提高或補充觀者對作品的欣賞和理解，也可以豐富結構的變化，起到相互映襯、相得益彰、點綴和平衡構圖的多種作用。
中國畫的工具和材料的表現也決定了中國畫的特點。中國畫用絹和紙作畫，尤其是生宣紙的出現，充分發揮了筆趣和墨色。宣紙的通透性和毛筆的尖錐使筆尖變化無窮，產生奇妙的效果。同時也形成了各種模仿和描寫，繪畫和筆法。
從素描到寫意
國畫之初，以臨摹為入門手段，逐漸勾勒出物象。然後轉向寫意，不僅是寫意，還有工筆細致的工筆畫，工筆畫也有它的寫意元素。因為中國畫在描繪物象時，無論是對於工筆還是寫意，其處理方法都是寫意的，不是簡單的復制壹遍，而是努力取其精華而忘其粗糙，化繁為簡，對物象有高度的提煉和加工，重在內在的理解而不是光和色的逼真表象。
根據董其昌的記載，許多著名的山水畫家都以真實的山水為題材創作作品，如“李思訓寫海外山，馬援夏貴寫錢塘山，趙武星寫薛瑩山，黃子久寫於海山”。後人看這些畫，覺得既是寫生，又是寫意；向自然學習，不被自然現象所困。以黃子久的《富春山居圖》為例。作者以富春山為背景，不是富春山的環境地理圖，而是黃子九的理想化境界。
由此可見古代畫家是如何認識和表現自然界的各種意象，將實物變成藝術形象，並逐漸使之規律化、程式化的，同時也可見其豐富的表現手法。
對比《芥菜籽中國畫傳》和其他繪畫作品，對比歷代畫家對這壹方案的運用，讀者可以感受到中國畫從自然生態向藝術形式轉變的過程，如何加工和總結。由此也可以了解從寫生到寫意的處理手法，從技法上掌握中國畫的造型特點。
突出主題
明代王克玉在《珊瑚綱》中說:“古人畫的畫，寓意深刻，落筆都有自己的主人。”“主人”也是主題。突出主題是藝術創作的壹個特點。壹個主題思想壹旦形成，妳就可以決定用什麽主題來表達，然後決定材料的選擇，甚至決定作品的標題，采取什麽樣的表達方式，這壹切都取決於主題表達的是什麽。像唐代顏的名作《蕭藝掙蘭亭記》(傳)，這個故事有很多曲折，但顏在畫中選擇了意圖“有意、詭詐、騙人”和口才“無意、善良、被騙”兩個典型情節來突出主題。主題突出在“賺”字上，其他細節都有所簡略或概括，完全符合《法書》對這壹事實的描述。
在國畫創作中，找到壹個好的題材，並不意味著每個人都可以突出主題。如果只求人物描寫生動，或求畫面變化豐富，或直接描寫，都不能算是突出主題。作者只從中國畫藝術特有的規律和表現手法中考慮應該突出什麽，善於根據中國畫的形式概括主題，確定主題，利用人物的刻畫和細節的組織來烘托主題，使觀者不用從畫面中解釋就能明白畫家的意圖。那麽郭認為呢？quot畫畫的時候，命題是上品，沒有題目就沒有畫。"
在主題明確的情況下，我們也要給作品起壹個最合適的標題，大多數情況下，應該是在屏幕上。標題要簡潔有意義，也可以直接揭示主題或暗示主題的意思，做到畫龍點睛。
積累材料
文藝工作者在生活中需要積累大量的素材。作家用文字，畫家有時也用文字，但主要還是用畫筆素描。畫家在接觸自然景物、花草、人物時，要時刻以素描為記錄，隨時用畫筆收集觀察到的對象。像畫家齊白石，對於各種小生。生理結構已經觀察了解的很仔細了。堅持下去，也鍛煉了藝術家觀察生活和造型的能力。
魯迅先生提到，“作者必須每天在室外或室內練習速寫，才有進步。在外面寫生最有利。”
從生活中記錄下來的原始素材，和開采出來的礦石壹樣，也是活水的源頭，無限生動豐富。比起拍照、抄畫報得到的素材，親切而深刻。在深入探索自然景物和人物的實踐中，積累大量素材，同時構思新的繪畫題材，會引起無休止的交流。
主題類型
主題不同於材料，材料是冶煉出來的礦石，主題是從大量的材料中最適合表達某個主題的材料。如果選材不精，所要表達的內容就會失去顯著性和典型性。
用壹個通俗的比喻來解釋流派，就像根據不同的體型來剪裁不同的風格。比如用小畫冊流派做大型壁畫就不合適。再比如前面提到的《蕭藝掙蘭亭》，用人物畫的體裁比較好，而《萬裏長江圖》當然用山水畫的長卷形式更好。而各種詠梅的詩畫，用花來驚嘴再合適不過了。
在人物、山水、花卉等形式和流派上，有工筆、寫意、重彩、水墨畫等不同。確定了畫的主題後，作者要從內容入手，再考慮要用的體裁。如長或短，是用大場景還是特寫筆。
兩項基本技能
1.在中國畫的形成過程中，有許多傳統的表現手法。要掌握這些方法，壹個常用的方法是:陵寢以前的作品和老師的圖紙。七尺畫師王實谷臨摹宋元大家，都有相當的造詣。經過幾十年的臨摹和歷練，他覺得自己對青山綠水已經有了充分的把握，這壹點在臨摹壹章會有詳細的論述。
二、生活中豐富的環境是畫家最生動的繪本，畫家要在生活中不斷磨練自己。中國畫壹直強調以自然為師。只有從這個豐富的寶藏中，我們才能開發藝術寶藏，從大自然中獲得靈感，並收集廣泛的材料。
兩種基本功相輔相成，缺壹不可。他們只是抄襲前人的手稿。時間長了，他們就失去了獨立創作的能力。如果只靠寫生，往往會失去傳統的筆法。
畫家有了很好的臨摹國畫的基礎後，生活才是最重要的。清代畫家石濤說“筆不是沒有精神的生命”，在壹個房間裏苦苦思索是不好的。缺點是沒有自己收集的形象，對人物的性格和精神面貌壹無所知，這個形象就會概念化。相反，當妳畫出生活中最熟悉的人物時，壹旦閉上眼睛，人的精神氣質、聲音、面容、笑容都會生動得多。
以畫家為例。工人和農民雖然都是勞動者，但性格氣質不同，需要生活中的默默打磨才能脫穎而出。畫山水、花鳥也離不開實地考察、寫生和體驗。當然，作為壹個藝術家，除了筆墨和生活基礎之外，人品道德的培養也是不可忽視的。過去人們習慣說書如其人，畫如其人，也就是壹個畫家的品格和修養，往往在筆下自然流露。
清代王興在《東莊畫論》壹書中寫道“學畫者，先作其品貴”。清代沈宗淳在《周琦薛華辨》中說:“文風如人品高”，“心畫形，人之惡分”。足以說明，書畫評論家除了對畫家的藝術水平，還要對畫家的人品、品德進行綜合分析。只有藝術素質高的畫家才值得人們學習和尊敬。
參考資料:
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