流行音樂的日期至少可以追溯到19世紀中葉，通常分為不同流派。不同的流派常常吸引不同年齡組。大樂隊相較RAP音樂聽眾可能是壹個老年組。以下是我帶來的歐美流行音樂主要風格，壹起來看看吧！ 叮砰巷歌曲 叮砰巷是個地名，位於紐約第28街（第五大道與百老匯街之間）。從19世紀末起，那裏集中了很多音樂出版公司，各公司都有歌曲推銷員整天彈琴，吸引顧客。由於鋼琴使用過度，音色疲塌，像敲擊洋鐵盤子似的，於是有人戲稱這個地方為"叮砰巷"（或譯為"廷潘胡同"）。叮砰巷不僅是流行音樂出版中心，也成為流行音樂史上壹個時代的象征、壹種風格的代表。它差不多延續了半個多世紀。叮砰巷歌曲壹般都由白人專業作曲家所創作。不同時期、不同作者的風格各不相同，但有***同點。從內容來看以愛情為主，充滿浪漫情調，或略帶懷舊、傷感，或比較歡快、風趣，不管國內外發生什麽事情，都很少在叮砰巷歌曲中得到反映。它主要表現生活中陽光的壹面，好像美國人都在無憂無慮地享受人生；從表現形式來看，歌唱性的旋律、不復雜的節奏、自然音體系的和聲（有時也出現變化和弦和樂句之間的轉調），大都采用"節歌—疊歌"（Verse—Chorus，即主歌加副歌）形式（例18）。叮砰巷歌曲通常由職業歌手按譜演唱，講究聲樂技巧，有樂隊或小合唱隊伴奏，經常采用弦樂群作為伴奏的背景音色。如當時的著名流行歌手平·克勞斯比（Bing Crosby，1904～1977）、富蘭克·辛納特拉（Frank Sinatra，1915～1997）等都以演唱叮砰巷歌曲為主。叮砰巷歌曲流傳的範圍主要是城裏的白人，很少擴展到黑人或下層人民中去。50年代搖滾樂的出現，使傳統的叮砰巷歌曲在整個流行音樂中的地位受到了挑戰。 藍調 布魯斯產生於19世紀90年代。爵士樂與藍調有密不可分的淵源，那是因為爵士樂有壹部分是建立在藍調音樂的基礎上，有些爵士樂則是直接從藍調音樂轉化而來，它們使用傳統藍調音樂的歌曲結構，也就是所謂的十二小節藍調。用嘻哈的藍調精神來過二胡壹樣的生活：用樂觀的態度去面對悲慘的生活，藍調音樂很著重自我情感的宣泄和原創性或即興性，嘻哈文化又與其相仿，註重享受自由的快樂，而二胡的聲音很悲傷；這就代表了“用嘻哈的藍調精神來過二胡壹樣的生活”引用魯迅的話說就是“真的猛士，敢於直面慘淡的人生”。19世紀這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。1912年孟菲斯威廉·克裏斯托弗·漢迪的《孟菲斯藍調》是這個詞在音樂中最早的書面紀錄。布魯斯的發展主要經過了四個階段。第壹個階段是19世紀末到二戰結束以前的“傳統布魯斯時期”，主要以鄉村布魯斯、古典布魯斯、城市布魯斯三種風格為代表；第二階段是“節奏布魯斯時期”，主要是指二戰後四五十年代盛行的節奏布魯斯風格；第三階段是六七十年代的“搖滾布魯斯時期”，主要是指搖滾樂和布魯斯的融合形態；第四階段是“現代布魯斯時期”，主要是指80年代後的電聲布魯斯，以及采用當時主流流行音樂編曲方式創作的流行歌曲。 爵士樂 爵士樂以其極具動感的切分節奏，個性十足的爵士和聲和不失章法的即興演奏（或演唱），贏得了廣大聽眾的喜愛，同時也得到了音樂領域各界人士的認可。它是在布魯斯和拉格泰姆（Ragtime）的基礎上，融合了某些白人的音樂成分，以小型管樂隊的形式即興演奏而逐漸形成的。經過整整壹個世紀的發展，如今已是異彩紛呈，百花齊放。拉格泰姆最初是壹種鋼琴音樂。盛行於19世紀末到第壹次世界大戰結束，主要流行於克裏奧爾人中，它既有歐洲古典音樂的嚴格標準，又具有黑人音樂的即興理念。被認為是爵士樂的雛形。19世紀末，新奧爾良的“公娼”制度為大量的鋼琴師提供了謀生的機會，他們為妓女與嫖客伴奏。很多克裏奧爾鋼琴師受過良好的古典音樂教育，他們演奏古典音樂作品的技巧爐火純青。但是在那種花天酒地的環境中，聽眾的主要目的並不在音樂，也沒有太多的音樂素養，所以對於鋼琴師們演奏什麽樣的音樂並沒有太高的要求。另外再加上演出時間較長（壹般都是從傍晚到次日清晨），長期乏味的工作使鋼琴師們厭煩了傳統的音樂標準。於是他們開始自由發揮，隨意修改曲目，甚至嘗試新的創作與作曲手段。在這種情況下發展出了“切分”、“即興”兩種演奏模式，這對後來的爵士樂和大部分流行音樂產生了重要的影響，成為了爵士樂的主要特征。也同時奠定了爵士和聲體系的出現。壹般認為爵士樂的`發源地是新奧爾良（New Orleans）爵士樂出現在19世紀90年代。但是歷史上第壹張爵士唱片問世於1917年，是由“正宗迪克西蘭爵士樂隊”（Original Dixieland Jazz Band）在新奧爾良錄制的。因此，1917年以前的爵士樂究竟具有什麽特點，我們永遠都無法知道，但是根據當時的樂譜記載以及攝影證明，早期爵士樂的速度大約介於中速與快速之間，初次接觸爵士樂的人對這種音樂的感覺是充滿生機和令人興奮。早期新奧爾良爵士樂的另壹特點，也許是最重要的特點，就是集體即興演奏。彼此之間自發地互相謙讓與合作，只受和弦進行結構的限制。這種演奏最吸引人的是樂隊成員既競爭又合作，對於強加給他們的限制既重視又視而不見。這種新的聲音在20世紀初期，任何聽眾壹聽就能辨認得出，這就是“爵士樂”。 鄉村音樂 鄉村音樂出現於20世紀20年代，它來源於美國南方農業地區的民間音樂，最早受到英國傳統民謠的影響而發展起來。最早的鄉村音樂是傳統的山區音樂（Hillbilly Music），它的曲調簡單，節奏平穩，帶有敘述性，與城市裏的傷感流行歌曲不同的是，它帶有較濃的鄉土氣息。山區音樂開始匯人美國流行音樂的主流，並湧現出最早的壹批鄉村歌手，如吉米·羅傑斯（jimmie Rodgers，1897～1933）融合的布魯斯、白人山區歌謠（Yodels）以及民謠（Folk）等多種音樂風格，被認為是鄉村音樂的開創者，並冠以“鄉村音樂之王”的稱號。“卡特家族”（The Caner family，由AJvin Carter，1891壹l960，和他的妻子、弟媳婦三人組成）以壹種安逸、諧和的曲風和著眼於家園、上帝和信仰等題材而贏得了聽眾的喜愛。對於像“卡特家族”這樣的藝人，演唱只是壹種業余的謀生方式。但是在鄉村音樂的初級階段，他們的確為鄉村音樂的發展作出了巨大的貢獻，同時也為早期鄉村音樂留下了寶貴的錄音資料。很多鄉村音樂家對於把鄉村音樂帶出南部或中西部都作出了貢獻，其中貢獻最大的是漢克·威廉姆斯，威廉姆斯最有名的代表作品《什錦菜》 （Jambalaya）成了世界上家喻戶曉的經典歌曲。最著名的是泰勒·斯威夫特、連續得了很多的鄉村音樂大獎。鄉村音樂進入20世紀90年代可以說已完全融入了流行音樂的主流。當然在這壹過程中，它的流行色彩更濃了。到了20世紀末，幾乎沒有壹種音樂不帶流行色彩，反之會被看作“異類”。另壹個特征是歌手和他們演唱的歌曲跨榜獲獎已成為非常普遍的現象，幾乎很少有人固守壹塊陣地。這是商業炒作的結果，經濟杠桿在起調節作用，人們願意為五鬥米折腰，於是跟風也成了壹種時髦。20世紀90年代的鄉村音樂也越來越具有全球性，這和經濟全球化有關。世界已成為了壹個地球村，“走巷串門”也就再平常不過了。鄉村音樂不再是美國的專利，在世界各個角落都能聽到它，只是少了壹些原始味，多了壹些時代感。這種煥然壹新的鄉村音樂已成為地球村民***同的鄉音。毫無疑問，這壹時期的歌手大都是跨世紀的。他們年輕，充滿希望，是新世紀的先鋒。 搖滾樂 20世紀50年代初期，美國的流行音樂市場出現了壹種三足鼎立的現象。黑人欣賞的音樂基本上以節奏布魯斯為主，中產階級以上的白人聽到的都是叮砰巷歌曲，而中西部的農村聽眾所喜歡的都是與農村生活有關的鄉村音樂。然而，到了20世紀50年代中期（約1954—1956年），唱片市場出現了兩個明顯的現象，即“市場交叉”和“翻唱版”的出現。“市場交叉”是指原來在壹個市場發行的唱片，同時在另壹個市場也取得很好的業績。如有些歌曲在節奏布魯斯銷售榜上名列前茅，同時在波普（指當時的流行歌曲，叮砰巷歌曲的延續）榜上也備受歡迎。看到這種有利可圖的市場交叉情況，有些大唱片公司很快根據流行的節奏布魯斯歌曲制作出自己的版本，從而導致了大量“翻唱版”的出現。這個時候，原來被隔開的三個市場突然問中間的圍墻倒了，在這片廢墟中誕生了壹種新的風格音樂——搖滾樂。早期的搖滾樂（20世紀50年代中期到60年代初期），搖滾樂從壹個剛學會走路的幼兒迅速地成長起來，使搖滾樂舞臺顯現了壹片繁榮盛景。首先是兩位先行者為搖滾樂的概念作出了更加完整的定位。比爾·哈利（Bill Haley，1925～1981），是第壹位被青少年崇拜的搖滾樂偶像，被人稱作“搖滾樂之父”。他的音樂風格涉及鄉村音樂、節奏布魯斯和波普三個方面，也正好說明了20世紀50年代中期搖滾樂產生的三個源頭。作為搖滾樂先行者之壹，比爾·哈利對搖滾樂的產生起到了不可磨滅的作用。早期搖滾樂歌手有普雷斯利、貝裏、多米諾、劉弗斯、埃弗利兄弟等。二十世紀六十年代，英國“披頭士”樂隊（也有人譯作“甲殼蟲”樂隊）首次在美國做訪問演出，引起狂熱反應。他們的演唱主要內容是表現愛情，也有反戰、反暴力等內容。正好當時美國國內反越戰、反種族歧視浪潮湧現，搖滾樂在這壹浪潮中起了很大的作用，60年代成長起來的美國人，很少有與搖滾樂不發生聯系的。搖滾樂的歌聲影響了現代美國人的藝術趣味。70至80年代在美國形成的著名搖滾樂隊有蓬克、滾石、索爾、重金屬、雷普、波普等。搖滾樂史上最輝煌的壹頁是1985年7月13日在倫敦溫布萊體育場和費城肯尼迪體育場同時舉行的現場直播賑災義演音樂會，並向全世界轉播，觀眾超過1.5億人。80多支壹流的搖滾樂隊登臺亮相，為遭受嚴重饑荒的非洲募捐。這場規模空前的義演不僅為搖滾樂找到了壹個全新的而且極其壯觀的表現形式，還使它獲得了全球性的意義。 迪斯科 迪斯科是70年代初興起的壹種流行舞曲，音樂比較簡單，具有強勁的節拍和強烈的動感。“Disco”這個詞是“Discotheque”的簡稱，原意是指“供人跳舞的舞廳”，60年代初源於法國。60年代，隨著音樂設備的更新，舞廳裏只要擁有壹套唱片播放機就可以完成原來樂隊的工作，並且還可以隨時得到各種不同的音樂，即經濟又實惠。因此，各大舞廳不再雇傭樂隊來伴奏，而是雇傭壹名唱片播放員通過播放唱片來提供伴舞音樂。慢慢的，人們把這種由唱片播放出來的跳舞音樂也稱作迪斯科。60年代中期，迪斯科傳入美國，最初只是在紐約的壹些黑人俱樂部裏流傳，70年代初逐漸發展成具有全國影響的壹種音樂形式，並於70年代中期以後風靡世界。從音樂上看，迪斯科壹般以4/4拍為主，具有強勁的節拍，並且每壹拍都很突出；它的速度大約在每分鐘120拍左右；它的結構短小，歌詞簡單，又很多段落的重復。其實，所有的曲子，只要調整壹下速度，改成每壹拍都很突出的節拍，都可以變成迪斯科舞曲。 索爾音樂 索爾，又譯“靈魂樂”或“靈歌”。它於20世紀60年代盛行於美國，以黑人宗教音樂福音歌（Gospel）為基礎，融入了節奏布魯斯、搖滾樂等風格，是美國黑人音樂的重要代表。索爾音樂講究自由、即興，在音樂上激情與深情並重，在演唱方面，它是壹種發自靈魂的演唱，感情色彩十分濃烈。作為美國黑人音樂的代表，它對摩城音樂（Motown）、放克（Funk）、當代R&B、Hip—Hop等音樂都產生過重要影響。演唱時較少演奏樂器。索爾的著名歌手有詹姆斯·布朗（James Brown）、查爾斯（Ray Charles）、雷丁（Ons Redding）、史蒂夫·旺德（Stevle Wonder）、普林斯（Prince）等。 拉丁音樂 所謂的拉丁音樂，指的是從美國與墨西哥交界的格蘭德河到最南端的合恩角之間的拉丁美洲地區的流行音樂。拉丁美洲是壹個多民族的組合，因此，拉丁音樂是以多種音樂的融合而形成的壹種多元化的混合型音樂。無論是歐洲的白人音樂、非洲的黑人音樂還是美洲的印第安音樂，甚至是東方的亞洲音樂，都對拉丁音樂作出過不同的貢獻。它們經過長期的沈澱，在以歐洲文化為主體的基礎上，同時又大量地吸取了印第安文化和非洲黑人文化的各種因素，逐漸形成了壹種多姿多彩、充滿活力、充滿動感的拉丁文化。在拉丁美洲的眾多國家中，以巴西和古巴為首的拉丁音樂，更是走在世界流行音樂的前列。拉丁音樂以獨具特色的節奏動感和歷史悠久的文化背景使其備受世界樂壇的關註，拉丁音樂家也層出不窮。近幾年流行樂壇中出現的瑞奇·馬丁（Ricky Martin）、馬克·安東尼（Marc Anthony）、安立奎·依格萊西亞斯（Enrique Iglesias）等明星都是極具個性的新生代拉丁音樂代表，Shakira已經成為了拉丁天後。當今世界的流行音樂文化，來源於人民群眾生活這片沃土，緊系人民群眾喜怒哀樂，它是世界多元化的結合體，它以不同的流派、不同的風格、不同的演唱形式被人們所接受，並發展成為國際音樂文化不可缺少而且必備的音樂文化套餐。流行音樂文化的發展並不是孤立的，它是壹種群體意識的體現。具有不可代替的獨特魅力，更是多種文化的結晶。“流行音樂之王”邁克爾傑克遜的歌曲“whatever happens”也是壹首拉丁風格的歌曲。 說唱樂 流行音樂是根據英語Popular Music翻譯過來的。流行音樂準確的概念應為商品音樂，是指以盈利為主要目的而創作的音樂。它是商業性的音樂消遣娛樂以及與此相關的壹切“工業”現象。下面是我整理的歐美流行音樂主要風格，歡迎大家閱讀。說唱樂壹詞（有時又譯“雷普”或“萊普”），原意為黑人俚語中相當於說話（Talking）或交談（Chatting）的意思。作為壹種流行音樂形式，它起源於20世紀70年代末紐約的貧困黑人住宅區。主要特點是以機械的節奏為背景，快速地念誦壹連串押韻的詞句。從音樂上看，它的音樂比較簡單，有很多重復，多半沒有旋律，只有低音線條和有力的節奏，它的來源之壹是迪斯科舞會上DJ（唱片播放員）為了介紹唱片，按著舞蹈節奏所插入的說白。詹姆斯·布朗（James Brown）半說半唱的風格，通常使其被認為是說唱樂的先驅者之壹。說唱樂的盛行是20世紀80年代中期以後，再此以後，它壹直以地下音樂的形式活躍於歌壇。1986年，Run—D·M·C的專輯《升起的地獄》（Raising Hell）獲第壹名，表明說唱樂在商業上取得了成功，並有了全國性的影響。說唱樂從形式上大致可分為兩種，壹種是具有反叛性的，如“人民公敵”（Public Enimy），因經常采取挑戰性的姿態，有時也被稱作“匪徒說唱”（Gangster Rap），因此，這類歌曲經常引起社會的爭議，所以很難進入排行榜；另壹種是溫和型的，如M·C哈默演唱的歌曲。哈默（M·c·Hammer）出生在加利福尼亞州的奧克蘭，那是個毒品泛濫、充滿暴力的地方。他早年的很多朋友都幹過走私毒品這壹行，其中有的成了富翁，有的蹲了監獄。他認識到年輕人必須結識正直的人，選擇正確的道路。他的說唱樂反對吸毒、反對暴力，從正面向黑人年輕壹代說話。因此，他在商業上取得了巨大的成功。 嘻哈樂 hip—hop是20多年前始於美國街頭的壹種黑人文化，也泛指rap（說唱樂）。hip—hop文化的四種表現方式包括rap（有節奏、押韻地說話）、b—boying（街舞）、dj—ing（玩唱片及唱盤技巧）、raffiti writing（塗鴉藝術）。因此rap（說唱樂）只是hip—hop文化中的壹種元素，要加上其它舞蹈、服飾、生活態度等才構成完整的hip—hop文化。隨著文化的發展，包括Beatbox等壹些新的街頭文化及藝術形式也融入了Hiphop之中，Hiphop裏的舞蹈形式也開始包括更多的舞種而不僅僅是B Boying（Breaking）說唱起源於60年代，而作為音樂理解的Hip—Hop則起源於70年代初，它的前身是RAP（有時候會加壹點R&B）。這是壹種完全自由式即興式的音樂。這種音樂不帶有任何程式化，拘束的成分。在任何時間，任何地點妳都可以炫Hip hop只要妳high。Hip—Hop從字面上來看，Hip是臀部，Hop是搖擺，加在壹起就是輕扭擺臀，是以前美國的蹦迪原先指的是雛形階段的街舞，後來才逐漸發展成壹種巨大的概念，即Hip—Hop文化。 新世紀音樂 新世紀音樂，也有譯作新紀元音樂的。是壹種在上個世紀70年代後期出現的壹種音樂形式，興起於80年代，具有輕音樂的某些特征，但有十分流行。原本的用途在於幫助冥思及作心靈的潔凈，但後期的創作者不少已不再抱有這種出發點。有壹種說法，由於其豐富多彩、富於變換，不同於以前任何壹種音樂：它並非單指壹個類別，而是壹個範疇，壹切不同以往，象征時代更替、詮釋精神內涵的改良音樂都可歸於此內，所以被命名為New Age，即新世紀音樂。其實，正確的原因，在於提倡這種利用音樂心靈潔凈的人，源自壹個叫作新紀元運動的異端宗教派別。60年代末期，德國壹些音樂家將電子合成器音響的概念融入原音演奏或即興表演方式，啟迪了許多新進音樂家運用更多元的手法開拓新的領域。該時期的音樂己具備了New Age的發展雛形。到了1973年，在舊金山壹群素昧平生的音樂家在某個音樂節上相會，這些人忽然發現雖然他們以前沒交流過，可是互相之間的音樂卻有很多***通之處。他們的音樂都是從冥思和心靈作為出發點而創作的，這種類型不同於以前的任何壹種音樂，具有實驗性質的音樂風格取名為New Age，它指的是壹種“劃時代、新世紀的音樂”。90年代的今天，New Age音樂呈現出了多樣化的風貌。音樂界已形成壹股百家爭鳴、各擁其妙的新勢力。正因如此，New Age不只是壹個單純界定樂風區別的名詞，而是象征著時代的演變、精神內涵改良的世紀新風貌。
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